1曲のプレッシャーテストとは、通常の練習という安心できる環境の外でも自分の曲が通用するかを確認する、短い模擬演奏です。
すでに音符を演奏できるようになっているかもしれません。それは良いスタートです。しかし、本番にはいくつかの追加スキルが求められます。部屋に入ること、テンポを設定すること、2回目の挑戦なしで始めること、ミスをした後も集中し続けること、そして最後まで意図どおりに演奏し終えることです。
このドリルは、1曲の本番曲、オーディションで演奏する1曲の抜粋、リサイタルで演奏する1曲、または最初のセットで演奏する重要な1曲を対象にしています。所要時間は約10〜20分で、実際の一発録りのように取り組むと最も効果的です。
目的は自分を怖がらせることではありません。目的は、練習だけでは見えにくい、本番での細かな要素を見つけることです。
演奏前に本番の状況を整える
プレッシャーテストは、最初の音を出す前から始まります。曲の途中から、いつもの場所に座り、何度でもやり直せる状態で練習しているだけでは、本当の始まりをリハーサルしていることにはなりません。
本番を想定した、明確な演奏環境を整えましょう。当日の予定どおりに立つか座ってください。譜面台、ペダル、アンプ、ストラップ、椅子、弓、ピック、カポ、チューナー、バッキングトラックを、すべて想定した場所に正確に配置します。曲目を紹介する場合は、その練習もしておきましょう。
可能であれば、小さな観客席を一つ用意します。空の椅子、先生、保護者、バンドメンバー、または動画を撮影しているスマートフォンでも構いません。目的は、部屋の雰囲気を普段の練習とは少し違うものにすることです。
2分でできる準備チェックリスト
- 楽器を置きます。最初の音や最初のコードをすでに押さえた状態ではなく、何もしていない状態から始めます。
- 部屋を確認します。演奏を始める前に、スタンドの高さ、椅子、ケーブル、ペダル、伴奏トラックの準備が整っていることを確認します。
- 観客席を選びます。演奏がすでに始まっているかのように、椅子、カメラ、先生、または壁のほうを向きます。
- 最初のアクションを決めます。最初に息をするのか、カウントインするのか、うなずくのか、再生ボタンを押すのか、弓を持ち上げるのか、手を置くのかを把握します。
- 再スタートの許可をなくします。始めると、テイクは最後の音符まで、または打ち切られるまで続きます。
最初は不自然に感じるかもしれません。それで問題ありません。音が出る前に演奏が始まることを、体に覚えさせているのです。
最初のテンポを一度確認します
演奏上の問題の多くは、最初の5秒間に始まります。緊張すると、慣れ親しんだ曲でも速くなったり、遅くなったり、妙に馴染みのないものに感じたりします。テンポを簡単に確認しておけば、演奏全体をメトロノーム練習に変えることなく、開始時の基準を得られます。
テイクの前に、最初のテンポだけを確認します。足で拍を取るか、声に出さずにカウントするか、無料のオンラインメトロノーム、または「メトロノーム」アプリ.
その後、実際の演奏でメトロノームを使う場合を除き、クリック音をオフにします。プレッシャーテストは、本番と同じように感じられるものでなければなりません。
冒頭のテンポ練習
- 10秒間、テンポを聴きます。 パルスが安定するまで、聴くかタップして合わせます。
- クリック音を止めます。デバイスから手を離し、意識を楽器に戻します。
- テンポに合わせて一度呼吸します。その呼吸で体とPulseをつなぎます。
- 曲を始めます。まだ始めていない場合を除き、再確認はしません。
歌手や管楽器奏者にとって、呼吸がテンポの合図です。ギタリスト、ベーシスト、ピアニスト、弦楽器奏者にとっては、手の動きや心の中でのカウントかもしれません。ドラマーにとっては、最初の一打の前のスティックの高さかもしれません。その合図を繰り返し使えるものにします。
やり直しなしでテイクを行います
ここで、曲を最初から最後まで演奏します。練習のつもりではありません。「難しい部分だけ先にちょっと試してみよう」という演奏でもありません。一発で演奏します。
間違えても、そのまま続けましょう。音を外しても、そのまま続けましょう。テンポが変わっても、そのまま続けましょう。細部を忘れても、次に安全に立て直せる場所が見つかるまで続けましょう。
これが、演奏への信頼を築く部分です。実際の聴衆が聴くのは、あなたが演奏するつもりだったバージョンではありません。聴衆が聴くのは、続いていくバージョンです。
1曲で行うプレッシャーテスト
- そのまま入るか、リセットしましょう。楽器から離れ、演奏空間に入るかのように戻りましょう。
- 体勢を整えましょう。始める前に、足、手、楽器、そして呼吸を整えましょう。
- 開始の合図を受け取りましょう。直前に慌てて推測したテンポではなく、あらかじめ用意したテンポの基準を使いましょう。
- 曲を最初から最後まで通して演奏しましょう。ミスや記憶の抜け、ぎこちないつなぎ、不完全な音があっても、最後まで続けましょう。
- 終わりの音を保ちましょう。最後の音が鳴った瞬間に、演奏の姿勢を崩さないでください。
- きれいに終わらせましょう。楽器を下ろし、ペダルを止め、弦をミュートするなど、最後の動作を意図を持って終えましょう。
終わりは、多くの音楽家が考える以上に重要です。レッスンやオーディションでは、きれいな終わり方がコントロールの証になります。リサイタルやオープンマイクでは、聴き手にあなたと一緒に息をするタイミングを伝えます。最初のステージでは、会場に戸惑いを感じさせずに済みます。
曲に伴奏やバッキングトラックがある場合は、それもプレッシャーテストに含めましょう。別の人の演奏やトラック、カウントインに合わせて始めると、取り組む内容が変わります。単にパートを演奏するだけではありません。適切なタイミングで入り、つながりを保つ必要があります。
立て直す練習をしてから、軽く振り返る
最初のテイクの後、すべてを直したくなる気持ちは抑えましょう。プレッシャーテストが1時間にわたる自己批判に変わってしまうなら、役に立ちません。次に演奏を試みるときに最も重要なことは何か、それに気づくのがあなたの役目です。
メモは3つだけ書き留めましょう。始まりについて1つ、中間について1つ、終わりについて1つです。実践的な内容にしましょう。
役立つメモは、次のようなものです。
- 始まり。「最初に入る前に、もう一度ゆっくり息を吐く必要がある。」
- 中間。「18小節目のシフトを逃したら、20小節目の頭拍を目指す。」
- 終わり。「移る前に、最後のコードをもう少し長く押さえる。」
あまり役に立たないメモは、次のようなものです。「悪い」「ごちゃごちゃしている」「慌てない」「もっと練習する」など。そう感じるのは事実かもしれませんが、次に取るべき行動は示していません。
意識的なリカバリー練習を1回加える
弱点が分かったら、短いリカバリー練習を行いましょう。曲全体を10回繰り返して演奏する必要はありません。ミスをすると流れを失いかねない箇所を選び、そこから演奏に戻る練習をしましょう。
リカバリー練習
- 危険な箇所を1つ選びましょう。これは、跳躍、ページをめくる動作、登場、フィル、シフト、歌詞、転調、またはテンポの変化かもしれません。
- その4小節前から始めます。音楽的な文脈を感じ取るのに十分な助走をつけましょう。
- 小さな乱れを作りましょう。視線をそらしたり、音量を下げたり、意図的に音を1つ抜いたり、直前のフレーズがうまくいかなかったと想像したりしましょう。
- 次の目印に着地しましょう。次の強拍、歌詞、コードチェンジ、弓の返し、ドラムフィル、またはブレスのポイントを目指しましょう。
- その4小節後まで続けます。音楽が再び安定して感じられるようになるまで、回復は完了しません。
これにより、ミスは緊急事態ではないと分かります。問題は位置です。次の目印を見つけて、曲に戻りましょう。
もう一度行うかどうかを決める
最初のテイクが不安定でも、はっきりと何かを学べたなら、短い休憩を取り、もう一度プレッシャーテストを行いましょう。同じルールを守ります。準備、テンポの確認、やり直しなし、きれいな終わり、3つのメモです。
疲れているなら、やめましょう。いら立った状態で本番を想定した演奏を行うと、緊張を身につけてしまうことがあります。よりよい選択は、小さな問題を1つ直してから、翌日にもう一度プレッシャーテストを行うことです。
教師はレッスンの最後の数分にこの練習を使えます。生徒は発表会の前夜に使えます。独学の演奏者は、動画を撮影する前、オープンマイクで演奏する前、または新しい曲をリハーサルに持ち込む前に使えます。
最も簡単な形にすると、こうなります。部屋を整え、最初のテンポを確認し、曲を最初から最後まで1回演奏し、止まらずに立て直し、役立つことだけを書き留めます。本番の前にこれを数回行えば、最初の音も不意打ちのようには感じなくなります。
